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Reflections Demo in transparentem Aquarell erfassen

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Lana Privatera ist bekannt für ihre äußerst realistischen Stillleben und verwendet Schichten transparenten Aquarells, um ihren charakteristischen Look zu erzielen. Weitere Informationen zu Privateras Herangehensweise an Aquarell sowie zu ihrer mutigen Rückkehr zur Malerei nach 10 Jahren nach einem lebensverändernden Rückschlag finden Sie im Feature-Profil in der Juli / August 2020-Ausgabe von Aquarellkünstler.

Demo von Recyceln von Lana Privitera

Es ist nicht einfach, komplizierte Reflexionen mit Aquarellen zu malen. Sie müssen Ihre Ebenen planen und sehr sorgfältig bewegen. Je größer Ihr Bild ist, desto schwieriger wird es, glatte und saubere Übergänge von Farbe und Wert zu erzielen. Das Folgende ist eine Aufschlüsselung meines Prozesses.

Schritt 1

Wenn ich ein neues Gemälde plane, nehme ich mir etwas Zeit, um meine Referenzfotos zu studieren. Sie sind selten perfekt, wenn es um Komposition, Farben oder Werte geht. Die meiste Zeit muss ich Elemente hinzufügen oder von ihnen entfernen. In diesem Fall hatte das Referenzfoto einige diagonale Elemente. Also habe ich den linken oberen Löffel mit dem orangefarbenen Aufkleber sowie den kleineren Löffel mit dem grünen Aufkleber im unteren Bereich hinzugefügt. Dann habe ich die Farbe einiger anderer Aufkleber stummgeschaltet und andere entfernt.

Nachdem ich überzeugt war, dass meine überarbeitete Komposition gut funktioniert, machte ich eine Freihandskizze auf halbtransparentem Papier. Dann verfolgte ich es auf meinen Arches 140-lb. kaltgepresstes Papier. Ich habe Mischungen aus Da Vinci Kobaltblau, gebranntem Siena Deep und Winsor Newton Permanent Rose verwendet, um verschiedene Grautöne zu erzeugen. Und ich fügte Winsor Newton Raw Siena für die goldenen Bereiche und Permanent Rose und Winsor Blue, allein und kombiniert, für die Akzente hinzu.

Schritt 2

Dieses Gemälde hat ein sehr kompliziertes Design. Infolgedessen begann ich sofort, meine Dunkelheiten zu platzieren, um die Formen klar zu identifizieren. Dies half mir auch zu beurteilen, wie dunkel meine hellen und mittleren Werte sein mussten. Meine Palette bestand aus Nass-in-Nass-Mischungen aus Kobaltblau, gebrannter Siena Deep und Permanent Rose sowie Nass-in-Nass-Anwendungen von roher Siena und gebrannter Siena tief.

Schritt 3

Jetzt ist es an der Zeit zu entscheiden, welche Schlüsselformen kühlere oder wärmere Farben haben sollen. Um Kontrast zu schaffen und der Komposition Abwechslung zu verleihen, habe ich die gleichen Farbmischungen wie im vorherigen Schritt verwendet. Diesmal habe ich jedoch weniger gebrannte Siena in die Mischung für die silbernen Utensilien gegeben.

Schritt 4

Ich malte weiter Utensilienformen, vervollständigte sie aber zu diesem Zeitpunkt noch nicht. Es ist einfacher, eine Form oder Farbe zu einem späteren Zeitpunkt zu ändern, wenn die Werte noch hell sind.

Schritt 5

Als die Formen der Utensilien deutlicher wurden, war klar, welche Formen auf meinem Referenzfoto unnötig waren. Ihre Beseitigung war einfach - die Herausforderung bestand darin, diese Bereiche mit neuen, realistisch aussehenden Objekten zu füllen. Ich beschloss, diese Problembereiche in Ruhe zu lassen und zu warten, bis das Bild fast fertig war, um sie herauszufinden. Als ich weiterging, trug ich eine raue, aber farbenfrohe erste Farbschicht auf die meisten Löffel auf, wobei ich Kobaltblau, Winsorblau, permanente Rose, rohe Siena und gebrannte Siena tief verwendete.

Schritt 6

Ich vermeide alle undurchsichtigen Farben, um meine Schichten so transparent wie möglich zu halten. Um die Harmonie aufrechtzuerhalten, arbeitete ich weiter mit denselben Nass-in-Nass-Mischungen aus Kobaltblau, gebrannter Siena Deep, roher Siena und permanenter Rose. Für Abwechslung habe ich einige interessante gedeckte grünliche Brauntöne eingeführt, die mit Sennelier Hookers Grün und Da Vinci Sienna tief gebrannt wurden. Die hellblauen Akzente sind Winsorblau.

Schritt 7

Jetzt versuche ich klar zu visualisieren, welche Formen und Farben in den verbleibenden leeren Räumen benötigt werden. Also vervollständige ich die dekorativen Designs auf den Utensilien und vertiefe die Werte in der Komposition. Ich verwende eine dunkle Mischung aus Ultramarinblau und gebrannter Siena tief, die in dünnen Schichten aufgetragen wird, um die Spalten und Muster in den Utensilien zu erzeugen.

Schritt 8

Ich vergleiche mein Referenzfoto und ein Foto meines Gemäldes nebeneinander auf meinem Computerbildschirm, um den Gesamtwertbereich zu bewerten und etwaige Inkonsistenzen zu erkennen. Dann vervollständige ich den größten Teil der oberen Hälfte des Gemäldes, indem ich einen vollständigen Wertebereich anwende. Als nächstes arbeite ich mich nach unten und konzentriere mich auf die Detailarbeit im unteren Bereich. Danach war es einfacher herauszufinden, welche Formen in den leeren Räumen hinzugefügt werden mussten.

Schritt 9

Schließlich ist es Zeit, das Referenzfoto wegzulegen und Farben, Schatten und Reflexionen zu erfinden, zu modifizieren und zu übertreiben! Ich beende das Hinzufügen von Formen in den leeren Räumen und nehme mir dann etwas Zeit, um meine Arbeit zu bewerten. Mir ist klar, dass hier und da Highlights gebraucht wurden. Außerdem brauchte es Schatten, bei denen sich einige Utensilien überlappten - obwohl diese Schatten auf meinem Foto nicht auftauchten. Es war offensichtlich, dass viele der Kanten aufgeweicht werden mussten. Darüber hinaus würden ein paar Kratzer in den Löffeln sie realistischer aussehen lassen.

Ich entscheide, dass die bläulich aussehenden Utensilien nicht mit den übrigen Formen harmonieren. Also tupfe ich ein wenig rohe Siena in einige von ihnen, um ihnen einen goldenen Schimmer zu verleihen. Dann lege ich mein Bild für einige Tage beiseite, damit ich mit einem neuen Auge darauf zurückkommen kann. Das hilft mir immer, objektiver mit einem Gemälde umzugehen und zu sehen, wie ich es verbessern kann.

Schritt 10

Nachdem ich ein paar Tage vom Bild entfernt war, schaute ich es mir noch einmal an und schrieb eine Must-Fix-Liste. Ich folge meiner Liste, vertiefe Schatten, mildere Reflexionen und füge überall mehr Glanzlichter und Farben hinzu. Ich verfeinere die meisten Kanten, um ihnen ein weniger hartes Aussehen zu verleihen, und gebe den dekorativen Mustern einen dringend benötigten Wert. Schließlich harmonisiere ich das Bild weiter, indem ich an einigen strategischen Stellen zusätzliche goldene Reflexionen hinzufüge, um es zu vervollständigen.

Über den Künstler

Lana Privitera ist Mitglied der National Watercolor Society, der Northeast Watercolor Society, der Philadelphia Watercolor Society und der Central New York Watercolor Society. Sie ist außerdem Mitglied der American Artist Professional League und gewähltes Mitglied der Audubon Artists, Inc. Sie ist Kunstlehrerin an der Wallkill River Kunstschule in Montgomery, NY, und führt realistische Aquarell-Workshops in den USA und international durch .


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