Kunstgeschichte

10 Hauptschubladen (und was sie uns lehren)

10 Hauptschubladen (und was sie uns lehren)



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Die größte Schublade der Welt könnte eine Lehrling einer anderen Künstlerin im Rokoko Frankreich oder ein Zeichner der Renaissance gewesen sein, der durch den Blick eines anerkannten Meisters aus einem mächtigeren nahe gelegenen Stadtstaat unsichtbar gemacht wurde, oder ein selbstloser Kunstlehrer, der derzeit arbeitet in Minnesota.

Die Auswahl der 10 besten Schubladen aller Zeiten ist ein Gesellschaftsspiel von zweifelhaftem Wert. Stattdessen haben wir uns entschlossen zu zählen, wie oft historische Figuren in den ersten 10 Ausgaben von referenziert oder reproduziert wurden Zeichnung Magazin und präsentieren sie mit aufschlussreichen Kommentaren eines nachdenklichen Arbeiters und eines Vertreters einer der angesehensten Kunstinstitutionen des Landes.

Jeder der 10 hier vorgestellten Künstler bietet Zeichnungen von exquisiter Schönheit; Wichtiger für unsere Zwecke ist jedoch, dass jeder einzelne Einblicke und Lektionen bietet, die jeder Zeichner nutzen kann. Wir untersuchen, warum die Arbeit dieser Personen so inspirierend ist.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (1452–1519) war der erste unbestreitbare Superstar der Kunst, und sein Genie ist unbestreitbar. Aber Ephraim Rubenstein, ein Künstler, der an der Art Students League in New York in Manhattan unterrichtet, mischt seine Bewunderung für Leonardo mit dem Punkt, dass selbst dieser große Renaissance-Mann nicht aus einem Vakuum hervorgegangen ist.

"Leonardo hat so viel von Andrea del Verrocchio bekommen, der ein großartiger Lehrer war", sagt Rubenstein. „Jeder kommt aus einer Tradition; niemand kommt aus dem Nichts. Leonardo lernte die Anfänge von Sfumato unter anderem von [seinem Lehrer]. “

Leonardo wurde als unehelicher Sohn eines Anwalts in der toskanischen Stadt Vinci in Italien geboren. Er war Wissenschaftler, Erfinder, Pionier in der Erforschung der Anatomie und Maler der Meisterwerke Das letzte Abendmahl und Mona Lisa- der prototypische Renaissance-Mann.

Rubenstein bezeichnet seine Zeilen als „wohlriechend, zart und anmutig. Er macht nichts, was nicht die schönsten Kurven hat. " Aber seine Skizzenbücher machen Leonardo zu einem Innovator.

„Er war einer der ersten, die davon sprachen, ein Notizbuch auf die Straße zu bringen“, erklärt Rubenstein. "Leonardo sagte, du musst direkten Kontakt zum Leben haben und die Handlungen der Männer beobachten."

Ressourcen:

  • Leonardo da Vinci-Zeichnermeister, von Carmen C. Bambach (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Leonardo da Vinci: Die vollständigen Gemälde und Zeichnungen von Frank Zollner und Johannes Nathan (Taschen, Köln, Deutschland)

Michelangelo Buonarotti

Seine Decke in der Sixtinischen Kapelle ist eine der berühmtesten Leistungen der Kunstgeschichte, aber diejenigen, die sich für Zeichnungen interessieren, konzentrieren sich auf die mehr als 90 Kreide-Tinte-Werke, die Michelangelo (1475–1564) zur Vorbereitung auf diesen und andere Aufträge angefertigt hat.

Einige Künstler haben die Parallele zwischen dem Werk dieses italienischen Meisters und den fantastischen, muskelgebundenen Formen in Comics gezogen. Aber wenn sich ein aufstrebender Zeichner in den letzten 50 Jahren mit Bewunderung der plätschernden menschlichen Anatomie in Comics genähert hat, ist er mit Ehrfurcht zu Michelangelos Arbeit gekommen.

„Mit seiner Beherrschung von Malerei, Skulptur und Architektur war kein Künstler - mit der möglichen Ausnahme von Leonardo - technisch begabter“, sagt Rhoda Eitel-Porter, Leiter der Abteilung für Zeichnungen an der Morgan Library in New York City .

„Seine Figuren sind immer bemüht“, bemerkt Rubenstein. „Sie streben nach etwas, sind aber gebunden. Alle Muskeln werden gleichzeitig angespannt, was anatomisch unmöglich, aber zutiefst poetisch ist. Michelangelo hat eine Landschaft aus dem menschlichen Körper gemacht. “

Der Grund ist logisch: Michelangelo war Bildhauer. Die Trennung zwischen taktilem und visuellem ist aufgehoben; Der Künstler sieht und zeichnet in drei Dimensionen. "Michelangelo [verstand], dass ein bestimmter Muskel einen egglike Charakter hat, und er [würde] diese Form mit seiner Kreide verfolgen", sagt Rubenstein und weist darauf hin, dass die Markierungen auf seinen Zeichnungen zunehmend auf fertigere Bereiche der Form in eine Art und Weise, die den Meißellinien einer unvollendeten Skulptur entspricht. Der Künstler platzierte an einigen Stellen grobe Schraffuren, an anderen definierte er die Schraffur genauer und an den fertigsten Stellen polierte Töne.

Michelangelos Werk zeichnet sich durch zwei weitere Merkmale aus: seine fast vollständige Hingabe an den männlichen Akt und die allgegenwärtige Sinnlichkeit in seiner Kunst. Sogar weibliche Figuren in seinen Stücken waren Männern nachempfunden, und selbst seine Vorhänge waren sinnlich.

„Mit dem männlichen Akt konnte er alles sagen, was er wollte“, bemerkt Rubenstein. „Er wurde von nichts anderem abgelenkt - nicht von Landschaften, nicht von Stillleben, nicht von weiblichen Akten. Mit Ausnahme seiner Architektur konzentrierte sich Michelangelo monolithisch auf den männlichen Akt, und selbst in seinen Gebäuden konnten Parallelen zum Körper hergestellt werden. “

Ressourcen:

  • Michelangelo-Zeichnungen: Näher am Meister, von Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
  • Lehren aus Michelangelo von Michael Burban (Watson-Guptill Publications, New York, New York)

Albrecht Dürer

Albrecht Dürer (1471–1528) ist wohl der größte Grafiker der Geschichte. Er veröffentlichte mehr als 350 Stiche und Holzschnitte und fertigte mindestens 35 Ölgemälde an, wobei er mehr als 1.000 vorläufige Zeichnungen und Aquarelle erstellte.

Dürer schuf eine Reihe bekannter und ikonischer Drucke, und der Nürnberger Künstler ist unter den Schubladen hoch angesehen und einflussreich. Seine nuancierte Darstellung von Formen - keine leichte Aufgabe mit einem starren, unversöhnlichen Gravurwerkzeug - ist der Grund, warum so viele Zeichner seine Arbeit studieren und bestaunen.

"Seine Zeichnung kommt aus der Sensibilität eines Druckers", kommentiert Rubenstein. „Er kann keinen Ton angeben; er muss schlüpfen. Und niemand bleibt mit der Rücksichtslosigkeit von Dürer in Form. “

Er war virtuos, aber vielleicht nicht innovativ. "Ich denke, er hat viel von den Italienern erhalten", sagt Rubenstein in Bezug auf den Besuch des Künstlers in Venedig, um einen Freund zu sehen und die Kunst und Ideen der italienischen Renaissance zu untersuchen. Aber sein Talent lag nicht nur in der Ausführung seiner Technik. Dürer packte viel Inhalt in Stiche wie Ritter, Tod und Teufel- einschließlich zweier phantasmagorischer Figuren, die den Rest der Komposition faszinieren, aber nicht dominieren -, aber das Auge versteht die Hauptidee leicht, wenn es sich nicht an wunderbar gerenderten Wurzeln und Kieselsteinen erfreut.

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„Sie reagieren auf die Intensität und Dichte des Bildes“, sagt Rubenstein. „Dürer [hat] die Bizarrheit natürlicher Phänomene sehr detailliert dargestellt, aber er [konnte] die große Komposition bei all dem klar und stark halten. Er [wusste], dass er sich selbst innerhalb der Knorrigkeit der Bäume ein wenig zurückziehen musste, damit die Sanduhr nach vorne kommen konnte. Er [kontrolliert] so viel - er ist wie ein Jongleur, der 30 Bälle in der Luft hat. "

Ressourcen:

  • Die vollständigen Gravuren, Radierungen und Kaltnadeln von Albrecht Dürer von Albrecht Dürer (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
  • Albrecht Dürer und sein Erbe: Das grafische Werk eines Renaissancekünstlers von Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, New Jersey)

Peter Paul Rubens

Das Stereotyp hat Künstler, die einen schlechten, böhmischen Lebensstil leben, aber Peter Paul Rubens (1577–1640) ist ein Beweis dafür, dass einige Künstler einen immensen Erfolg erzielen. Nach den meisten Berichten war Rubens ein angesehener, reicher und glücklicher Künstler, der auch Antiquitäten sammelte, eine große Familie gründete und ein oder zwei Friedensverträge abschloss, während er als hochrangiger Diplomat diente. Er war ein vielbeschäftigter Mann der Tat, und auf Papier wurde nie leichtfertig gekritzelt - fast alle seine Zeichnungen waren Vorstudien für größere Aufträge.

Man wundert sich noch mehr über die selbstbewussten, schönen Linien von Rubens 'Zeichnungen angesichts des Wissens, dass er sie mit Sicherheit als Arbeitsdokumente betrachten würde, die für die Ausstellung ungeeignet sind. Was ihn besonders macht, ist laut Eitel-Porter „seine Beherrschung der Kreidetechnik“. "Er brauchte nur ein paar Striche, um nicht nur die Pose der Figur, sondern auch ihren emotionalen Zustand hervorzurufen."

In der Tat zeigte der belgische Hofmaler in seinen Zeichnungen eine unglaubliche Leichtigkeit mit einem Hauch von Bombast. Seine Hand war sicher. „Rubens verwendete natürlich robuste, selbstbewusste Zeichen und fließende Gesten“, sagt Rubenstein, der insbesondere die Zeichnungen des Künstlers mit drei Kreidefarben bewundert. „Rote Kreide ist schön, hat aber eine Einschränkung in ihrem Bereich. Oft möchten Sie schwarze und weiße Kreide verwenden, um sie an jedem Ende des Wertebereichs weiter zu erhöhen“, erklärt Rubenstein. "Es ist wie der Unterschied zwischen einem Akkord und einer Note - die Reichweite von roter Kreide zu vergrößern."

Ressourcen:

  • Peter Paul Rubens: Die Zeichnungen von Anne-Marie S. Logan (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Peter Paul Rubens: Ein Hauch von Brillanz, von Mikhail Piotrovsky (Prestel Publishing, München, Deutschland)

Rembrandt van Rijn

„Er war ein Erbe von Leonardo, da er immer aus der Natur skizzierte“, sagt Rubenstein in Bezug auf Rembrandt (1606–1669). "Seine Gesten waren so wahr und voller Leben."

Wenn Rubens der Maler der Macht und der königliche Hof war, war Rembrandt der Künstler der Menschheit. Der niederländische Maler und Zeichner hatte die Fähigkeit, sehr schnell zu zeichnen und selbstbewusst einfache Waschungen hinzuzufügen, die effizient Dunkel-Licht-Muster etablierten.

Das unversöhnliche Medium Tinte war kein Hindernis für Rembrandts Streben nach der Handlung des Augenblicks. Die Rückseite des Gewandes seiner Frau fegt überzeugend von der Treppe herein Frau, die ein Kind die Treppe hinunter trägt, zum Beispiel. Mütter und Kinder waren für den Künstler vielleicht zum Teil von besonderem Interesse, weil er drei Kinder in den Kinderschuhen verlor; und der Tod seiner Frau verkürzte eine glückliche Ehe.

"Die Menschlichkeit seiner Zeichnungen ... das spürt man in der Arbeit anderer nicht so allgegenwärtig", bemerkt Rubenstein. "Er schien zu wissen, wie sich die Mutter fühlte, wie sich das Kind fühlte - was in der Szene vor sich geht. Und er hatte eine spontane, unglaubliche Linie, die die Struktur von etwas zeigen konnte, und doch hatte sie ihren eigenen kalligraphischen Sinn. “

Ressourcen:

  • Rembrandts Reise: Maler, Zeichner, Radierer, von Clifford S. Ackley (MFA Publications, Boston, Massachusetts)
  • Die Zeichnungen von Rembrandt und seiner Schule, Vol. Ich, von Jeroen Giltaij (Thames Hudson, New York, New York)
  • Zeichnungen von Rembrandt und seiner Schule, Vol. II, von Jeroen Giltaij (Themse Hudson, New York, New York)

Charles Le Brun

Charles Le Brun (1619–1690) war ein Künstler, der sowohl in der Klassik als auch im Barock Fuß gefasst hatte und früh Erfolg hatte und über die politischen Fähigkeiten verfügte, bis sehr spät im Leben eine dominierende Figur am französischen Hof und an der Académie zu bleiben.

Le Brun war ein Schüler von Vouet und ein Freund von Poussin, und seine Kompositionen basierten auf einfachen Massen wie im Klassizismus. Und doch konnten seine Figuren von der Energie der Barockkunst strotzen, wie die Serpentinenform in S zeigttudy für Mucius Scaevola vor Porsenna.

Le Brun hat mehr als jeder andere im 17. Jahrhundert drei Jahrzehnte lang einen homogenen französischen Kunststil etabliert. Er erreichte dies sowohl durch Politik als auch durch Malerei - Le Brun gründete die Französische Akademie in Rom, und in den 1660er Jahren wurde jeder bedeutende Auftrag für ihn übernommen.

Die beiden in diesem Abschnitt gezeigten Zeichnungen veranschaulichen geschickt, wie sich Le Bruns Stil mit der Zeit pragmatisch verändert hat - sowohl mit künstlerischem als auch mit materiellem Erfolg. „Ein Bild zeigt die einfache Konzeption aller Formen, sehr ausgewogen und posiert wie ein Raphael; und die andere zeigt eine Figur, die so hart kämpft “, wundert sich Rubenstein.

"Auch ohne den Hinweis auf die Leiche, die diese Figur hebt, spüren wir, wie viel Mühe er aufbringen muss, um dieses Schwergewicht zu halten." Le Bruns Bürgschaft mit Zeicheninstrumenten war legendär; Ein Mythos behauptete, dass dieser Sohn eines Bildhauers begann, in der Wiege zu zeichnen.

Ressourcen:

  • Charles Le Brun: Erster Maler König Ludwigs XIV. Von Michel Gareau (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Der Ausdruck der Leidenschaften: Der Ursprung und der Einfluss von Charles Le Bruns Konferenz über die Ausdrucksform und Partizipation von Jennifer Montagu (Yale University Press, New Haven, Connecticut)

Edgar Degas

Die Transformation für einen Zeichner vom Zeichnen enger, detaillierter Formen zu lockeren, gestischeren Linien ist weit verbreitet, aber diese Beispiele zeigen, dass diese Entwicklung in Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834–1917) eine besonders natürliche ist.

Schönheit bewohnt beide Werke, auch wenn ein typischer Betrachter möglicherweise nicht beide Werke einem Künstler zuordnet. "Er hat versucht, die Figur in seinen frühen Zeichnungen festzuhalten", erklärt Rubenstein, "und in den späteren Zeichnungen hat er sie losgelassen."

Degas 'Muse war die Ballerina, und die Bewegung und Bewegungen des Tanzes erforderten freie, gestische Skizzen. Rubenstein weist darauf hin, dass auch in schnellen Skizzen wie Studie eines Tänzers in Strumpfhosen, Degas zeigt sein Genie für Komposition - die Knie berühren fast die Ränder des Papiers, und die negativen Formen, die von den Gliedern des Tänzers gebildet werden, schaffen ein kraftvolles Design. Die Schönheit der spontanen Komposition verrät die jahrelange Erfahrung hinter dieser Studie.

Ressourcen:

  • Degas und der Tanz, von Jill DeVonyar und Richard Kendall (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Edgar Degas: Leben und Werk, von Denys Sutton (Rizzoli International Publications, New York, New York)

Vincent van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890) war nicht nur der prototypische hungernde Künstler, sondern auch eine Hebamme für die Geburt der abstrakten Kunst, wie seine zeigt Wilde Vegetation. Als Maler ist er bekannt für seine lebendige und kräftige Farbe, aber die Risiken, die er mit der Komposition eingegangen ist, sind vielleicht gleichermaßen für seinen Ruf verantwortlich. Für Schubladen ist van Gogh auch wichtig für seine Markierungen.

„Van Gogh hat mit dem Schilfstift ein unglaubliches Vokabular entwickelt“, sagt Rubenstein. „Er hat eine Sprache erfunden, mit all diesen verschiedenen Arten von Zeichen: Punkten, Strichen, Locken, langen Linien und kurzen Linien. Aber weil er eine solche Kontrolle hatte, machte es Sinn. Er machte Rhythmen. Die Natur hat diese Zeichen nicht. "

Vergleichen Pollard Birken zu Wilde Vegetation zeigt das Wachstum des niederländischen Künstlers von gegenständlich zu fast vollständig abstrakt. Der Übergang ist im Porträt in geringerem Maße zu sehen Der Zuaven, in dem der Großteil des Gesichts mit einer Art Pointillismus dargestellt wird, während bestimmte Merkmale wie die Nase mit klassischen Linien gebildet werden. "Es ist eine sehr persönliche Sprache, die er sich ausgedacht hat", kommentiert Rubenstein. "Aber die Marken selbst sind faszinierend."

Ressourcen:

  • Vincent van Gogh: Die Zeichnungen von Colta Ives (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Van Gogh: Master Draftsman, von Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, New York, New York)

Egon Schiele

Der in Österreich geborene Egon Schiele (1890–1918) war ein in böhmische Kleidung gehüllter Dandy, ein angeblicher Pornograf, ein entschlossener Narzisst und einer der provokantesten und einzigartigsten Zeichner der Moderne.

"Im Vergleich zu Rembrandt gibt es nicht viel Reichweite", sagt Rubenstein. „Aber du weißt immer, ob etwas ein Schiele ist. Wie kommt es dazu? Das ist es wert, darüber nachzudenken. "

"Alle seine Übertreibungen sind nachdenklich", fährt Rubenstein fort. „Seine Verzerrungen sind auf das Geld zurückzuführen - die Einkerbung einer Hüfte, die Schwellung des Hinterteils, eine Linie, die eindeutig Kniesehnen ist. Die Verzerrungen basieren auf sehr genauen anatomischen Orientierungspunkten. Das macht sie so störend. Das und die Tatsache, dass das Skelett oft sehr präsent ist. “

Schiele wurde für einige seiner expliziten Zeichnungen minderjähriger Mädchen verleumdet, aber die Entlassung all seiner erotischen Kunst kann ein Fehler sein. Rubenstein weist darauf hin, dass nicht jeder die Erotik erfolgreich durchführen kann. Schieles Kunst fordert nicht nur das Thema heraus, sondern auch die Positionen seiner Themen, die wandernden Linien, die vor Spannung vibrieren, und die ausgelassenen Farben, die er verwendet.

„Schau dir das Rot neben dem Grün an, das durch die Figur läuft Kämpfer", Beobachtet Rubenstein. "Es spricht von etwas Unaussprechlichem."

Eitel-Porter stimmt zu: „Seine Verwendung unnatürlicher Farben und sein gestischer Farbauftrag mit sichtbaren Strichen zur Betonung des Ausdrucks zeichnen Schiele aus.“

Ressourcen:

  • Egon Schiele: Das Gesamtwerk von Jane Kallir (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Egon Schiele: Zeichnungen und Aquarelle von Jane Kallir (Thames Hudson, New York, New York)

Käthe Kollwitz

Käthe Kollwitz (1867–1945) sah viel Leid und stellte es mit einer Empathie dar, die es kaum gab. Ihr Mann war ein Arzt für die Armen in Berlin, was wahrscheinlich eine Rolle in ihren sozialistischen Sympathien spielte.

Der Verlust ihres Sohnes im Ersten Weltkrieg führte zu einer langen Depression. Sie verlor auch einen Enkel im Zweiten Weltkrieg. Infolgedessen treffen ihre herzzerreißenden Bilder von Müttern, die über verstorbene Säuglinge weinen, einen Resonanzakkord.

"Und sie war so eine großartige Zeichnerin", sagt Rubenstein. „Kollwitz kann mit einfachen Formen so viel anfangen. Hier können ein paar wispy Markierungen sein, die Haar bedeuten; und dann - Boom, du bist mit ein paar starken Linien direkt in dieses Auge genietet. “

Kollwitz war in erster Linie Grafikerin und beschränkte ihre Arbeit weitgehend auf Schwarzweißbilder. „Ihr kühner, grafischer Stil spiegelt den immensen menschlichen Schmerz und das Leid der Benachteiligten wider“, kommentiert Eitel-Porter. "Das ist die Grundlage ihres Themas. Die Welt, die sie darstellt, ist im Schatten verhüllt; nur selten werden Farbtupfer eingeführt. “

Echoes Rubenstein: „Mit dieser Einfachheit und Sparsamkeit der Mittel hat sie großes Mitgefühl vermittelt. Sie könnte eine unglaubliche menschliche Aussage mit nur verbranntem Holz [Holzkohle] auf Papier machen. “

Ressourcen:

  • Katalog der gesamten grafischen Arbeit von Käthe Kollwitz, von August Klipstein (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
  • Käthe Kollwitz Drawings von Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, New York, New York)

* Artikelbeiträge von Bob Bahr

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