Zeichnung

5 Aquarelltechniken, die Sie von Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner und andere berühmte Aquarellkünstler

5 Aquarelltechniken, die Sie von Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner und andere berühmte Aquarellkünstler



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Lernen Sie die Aquarelltechniken - für Komposition, Designelemente und Schwerpunkt - berühmter Aquarellkünstler wie Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner, John Singer Sargent und Edward Hopper.

Das wesentliche Notizbuch des Aquarellisten ist die Ressource, die Sie auswählen müssen, nachdem Sie diese meisterhafte Inspiration aufgenommen haben. Erfinden Sie Szenen neu, die mit jedem Referenzfoto mithalten können, und lernen Sie die Freude am Aquarell, damit Sie weiter malen können. Genießen! - Courtney

1. Nehmen Sie einen einzigartigen Standpunkt wie Winslow Homer ein

Im Winter 1885-86 Winslow Homer (1836-1910) malte im Urlaub in Nassau eine Reihe auffälliger Aquarelle. Dieser Hafen auf den Bahamas war schon damals ein modisches Resort, das für seine wunderschöne Umgebung und das gemäßigte Klima bekannt war. Aber in seinem Aquarell, Eine Mauer, NassauHomer gibt dem Betrachter nicht die klassische Ansichtskarte. Die Szene ist zwar mit üppigen tropischen Farben und auffälligem karibischem Licht gefüllt, aber der Aussichtspunkt ist sehr ungewöhnlich.

Homer ist weit entfernt von einem typischen Panorama und hat den klassischen Blick auf die Küste mit einer dicken grauen Wand blockiert. Die aufdringliche Wand dominiert nicht nur die untere Hälfte des Gemäldes; es ist auch einfach und untexturiert. Die vertikale Öffnung in das kühle tropische Grün und Blau des Wasserrands bietet die einzige Erleichterung. Aber auch diese Einladung in den mittleren Bereich des Gemäldes befindet sich unangenehm weit links und führt uns vom Hauptschwerpunkt weg: dem weißen Segelboot.

Schnitte machen

Außerdem hat Homer das Gemälde mit zwei sehr starken horizontalen Linien halbiert. In diesem Fall kommt Homer mit solchen nicht-traditionellen künstlerischen Geräten davon, weil er interessante dynamische Spannungen und ein starkes Bewegungsgefühl aufgebaut hat.

Beachten Sie die stumpfen Orangen- und Rottöne an der Wand, mit denen er die Wand mit dem stärkeren Rot in den Blumen darüber harmonisiert und in der unteren rechten Ecke eine entscheidende, aber subtile Form erzeugt, um das Auge auf den Mittelgrund zu lenken.

Das Spiel des gefleckten Lichts an der Wand (ein Beispiel für Homers großartige Ausbeutung des Weißbuchs) führt den Blick auch geschickt über die Wand in Richtung Zentrum. Der Himmel und das Laub führen das Auge von links nach rechts, und die extravaganten roten Frangipani-Blätter verbinden die Hauptbereiche des Gemäldes, während sie wie ein Feuerwerk über der dicken Wand zu explodieren scheinen.

Vorläufer der Moderne

Diese Komposition bildet die Grundlage für die moderne amerikanische Malerei und hat eine fast östliche Einfachheit. Sie betont Spannungen und Ausgewogenheiten, um einen einzigartigen Blickwinkel zu schaffen. Homers Aquarelle werden von vielen als die größte Kunst angesehen, die Amerika jemals hervorgebracht hat. Und sein Talent, den Betrachter mit einer unangenehmen oder nicht so offensichtlichen Sichtweise herauszufordern, ist ein Grund. Ein anderer ist seine direkte und energische Ausführung des Mediums. Er malt sehr bewusst und mit außergewöhnlicher Kontrolle, erzielt aber ein unbearbeitetes Aussehen.

2. Beherrsche deine Komposition wie Andrew Wyeth

In seiner berühmten Eitemperamalerei von 1948 Christinas Welt, Andrew Wyeth gibt uns eine hervorragende Darstellung seines geschickten Einsatzes von Kompositionsgeräten. In diesem Gemälde zeigt er, dass Designelemente nicht auffällig sein müssen, um effektiv zu sein. Manchmal sind sie sogar so subtil, dass sie Ihrer Aufmerksamkeit entgehen, es sei denn, jemand macht Sie darauf aufmerksam.

Wenn Sie genau hinschauen, sehen Sie zwei lose Haarsträhnen, die seitlich aus Christinas Kopf herausragen. Diese beiden Schleusen haben die Form von geschwungenen Linien, die das nahe gelegene Gleispaar widerspiegeln, das bergauf zum Haus führt. Oben rechts in der Einfahrt befindet sich ein Zaun, der diese Linien wiedergibt. Auf der linken Seite von Christinas Kopf befindet sich ein weiteres Haarbüschel, dessen Form auch an anderer Stelle im Bild wiedergegeben wird. Es wiederholt sich in der kurvigen Linie im Feld oben links und erneut - diesmal umgekehrt - auf der gegenüberliegenden Seite ihres Kopfes.

Der Körper einer Frau, wiederholt

Es gibt auch eine volle Form, die in diesem Gemälde nachhallt - eine, die ziemlich unauffällig und dennoch enorm kraftvoll ist. Die Form des Körpers der Frau erklingt abstrakt in den Formen der Gebäude im Hintergrund. Dies geschieht in der Ansammlung von Gebäuden in der oberen rechten Ecke des Bildes. Und du wirst es wieder in dem kleinen Nebengebäude direkt über ihr oben auf dem Hügel finden.

Was wir hier tatsächlich haben, ist eine organische Form (der Körper der Frau), die von zwei geometrischen Formen wiedergegeben wird. Diese Wiederholung von Formen ist weder zufällig noch zufällig. Es ist das Produkt des kompositorischen Genies des Künstlers. Und aus diesem Instinkt besteht große Kunst.

Landschaft und Figur

Das dominierende Element in diesem Gemälde ist der scheinbar weite und trostlose Hang, der die verzweifelte Figur isoliert, die sich auf dem Boden ausbreitet. (Christina Olson, Wyeths Modell, konnte nicht laufen.) Der Schwerpunkt liegt jedoch auf der Figur.

Zum einen wird das Auge viel eher von einer menschlichen Form als von einem Gebäude angezogen. Eine komplexe Form fällt auch eher auf als eine einfache Form, und der verdrehte Körper des Modells ist viel komplexer als alles andere, was in Sicht ist.

Linien, um das Auge zu lenken

Im Christinas Weltkönnen wir auch Wyeths geschickte Verwendung von Richtungslinien entdecken. Im oberen Teil des Gemäldes führt er mit diagonalen Linien Ihren Blick ins Bild und zum Haus auf dem Hügel, wo Christina hinschaut - und vermutlich dort, wo sie sein möchte.

Die Form der scheinbar gestrandeten Figur besteht ausschließlich aus diagonalen Linien, die Übergang und / oder Instabilität bedeuten. Die Gebäude auf der Spitze des Hügels hingegen sind stabilisierende Elemente - insbesondere das rechts (Christinas Haus). Obwohl ihre Dächer schräg sind, werden sie durch die vertikalen Konturen der Seiten und Schornsteine ​​der Gebäude mehr als ausgeglichen. Somit scheinen die Strukturen ziemlich solide und robust zu sein. Dies steht in dramatischem Kontrast zu der Flunderfigur im Feld darunter.

Wyeth hat auch hier das Prinzip des Standpunkts und der Perspektive zu seinem Vorteil genutzt. Es besteht kein Zweifel, dass die Figur in Ihrer Nähe ist, während das Haus weit weg ist. Diese lange Sicht, die über sie bis zum entfernten Haus blickt, unterstreicht ihren Zustand der Isolation. Und weil Wyeth unseren Standpunkt hinter Christina gestellt hat, teilen wir ihre Trostlosigkeit, die die psychologischen Auswirkungen des Gemäldes verstärkt.

3. Gehen Sie direkt vor wie John Singer Sargent

"Mit Sargents Aquarellen zu leben bedeutet, mit Sonnenschein zu leben, der eingefangen und festgehalten wird", sagte einer der vielen Biographen des Künstlers. Tatsächlich, John Singer SargentDie Aquarelle scheinen Licht auszustrahlen. Im Figur mit rotem VorhangDer ganze Raum vibriert mit der Tapferkeit seiner Pinselführung.

Eine Liebesbeziehung

Es besteht kein Zweifel, dass Sargent (1856-1925) Aquarell liebte. Von dem Moment an, als er die Meister in Museen studierte und sich in die Malerei verliebte, verwendete er Aquarell. Die Unmittelbarkeit davon begeisterte ihn. Und wie jeder wahre Meister konnte er die Aquarelltechniken, die er beherrschte, auf jedes andere Medium übertragen, das er versuchte. Mit einer einfachen Blechdose mit Pfannenfarben sagte Sargent, er würde "das Beste aus einem Notfall machen".

Sargents Wege

Sein Vorgang war einfach: Zuerst befeuchtete er sein Papier mit einem leichten Farbtupfer und ließ einige Bereiche unberührt. Dann begann er mit einem geladenen Pinsel, die Form der Figur zu artikulieren und das rote Tuch mit satten Farben aufzuladen.

Zu diesem frühen Zeitpunkt hat er seine Motive nie skizziert - das Papier wäre immer noch zu nass, um eine scharfe Kante zu erzielen. Stattdessen formte er die Figur in Form, indem er jedem Körperteil offensichtliche mittlere Schattenformen und dunkle Schattenformen gab, während er die hellsten Bereiche gekonnt unberührt ließ.

Er malte die dunkle Seite einer Form zusammen mit dem Bereich um die Form, wo immer der Wert ähnlich war. Während das Papier zu trocknen begann, verwendete er dunkle Farbstriche und betonte Kanten, um die Formen zu definieren und das Licht zu zeigen.

Ein großer Maler, ein größerer Zeichner

Wie seine selbstbewusste Pinselführung zeigt, war Sargent ein ausgezeichneter Zeichner, das Ergebnis jahrelanger ständiger Übung. Ein Künstlerfreund Adrian Stokes, der ihn beobachtete, bemerkte: „Als er sich einmal niedergelassen hatte… war die Schnelligkeit und Direktheit, mit der er arbeitete, erstaunlich… Seine Hand schien sich mit der gleichen Beweglichkeit zu bewegen wie beim Spielen über die Tasten eines Klaviers… Es war eine Art von Kurzschrift, aber es war magisch. "

4. Kombinieren Sie das Reale und das Romantische wie J.M.W. Turner

Das Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert war eine Zeit, in der Wissenschaftler und Künstler gleichermaßen von der Bedeutung von Beobachtung und Studium verzehrt wurden. John Ruskin, der große englische Schriftsteller und Kunstkritiker der damaligen Zeit, schrieb das J.M.W. Turner (1775-1851) “ging mit einer dünnen Papierrolle in der Tasche durch eine Stadt und machte ein paar Kratzer auf ein oder zwei Blättern, die so viel Kurzschrift für alles waren, woran er sich erinnern wollte. Als er abends in seinem Gasthaus ankam, beendete er das Stiften schnell und fügte so viel Farbe hinzu, wie nötig war, um seinen Plan des Bildes aufzuzeichnen. “

Eine beobachtete Feuersbrunst

Als Londons Houses of Parliament am 16. Oktober 1834 von Flammen verbrannt wurden, war Turner in einem Ruderboot vor der Küste und hielt die dramatische Szene schnell in seinem Taschen-Skizzenbuch fest. Er blätterte so schnell um, um die Szene aus zahlreichen Blickwinkeln festzuhalten, dass auf der Rückseite jedes Aquarells ein Teil des vorherigen abgebildet ist.

Turner war zwar vom Zeitalter der Aufklärung beeinflusst, aber er war auch ein Produkt der Romantik (1789-1837), einer Zeit, in der Kunst und Wissenschaft untrennbar miteinander verbunden waren. Wie andere romantische Künstler interessierte er sich nicht nur für Beobachtung, sondern auch für Emotionen. Seine Motive hatten oft symbolische Obertöne und seine Pinselführung war ebenso subjektiv wie objektiv.

Als Turner dieses große Denkmal in Brand setzte, war es nicht das Detail, auf das er sich konzentrierte. Er malte die Wut der Naturkräfte. In seinen Händen wurden Feuer, Wasser und der rauchgefüllte Himmel zu einem apokalyptischen Ereignis.

Wenn Sie sich die Serie von Skizzen des Feuers ansehen, das er vor Ort gemacht hat, können Sie sehen, wo er das Papier buchstäblich mit wütenden Pinselstrichen angegriffen hat. Und in Das Verbrennen der Parlamentsgebäude, eine Studie, die ein Jahr später durchgeführt wurde, untersucht Turner immer noch das Thema der Wut der Natur und entwickelt es zu reichhaltigeren und komplexeren Versionen. Tatsächlich war Turner so begeistert von dem Thema, dass er es immer wieder sowohl in Aquarell als auch in Öl malte.

5. Studiere das Licht wie Edward Hopper

Edward Hopper (1882-1967) begann seine künstlerische Karriere als kommerzieller Illustrator. Über die Erfahrung sagt er: „Ich habe mich immer für Architektur interessiert, aber die Redakteure wollten, dass die Leute mit den Armen winken. Vielleicht bin ich nicht sehr menschlich. Ich wollte Sonnenlicht an die Seite eines Hauses streichen. “

Im Das Mansardendach er malte Architektur auf seine Weise. Er vermittelte Form mit dem Drama des Lichts und füllte fast die gesamte Komposition mit dieser großen, auffälligen Struktur. Hopper malte das Haus bei einem seiner vielen Sommerbesuche in Gloucester, Massachusetts, am Cape Ann.

Cape Ann, der östlichste Punkt der Vereinigten Staaten, ist oft ein sehr windiger Ort. Infolgedessen malte Hopper oft Szenen wie diese aus seinem Auto heraus. Da Gloucester eine Altstadt ist, liegen die meisten Häuser nahe beieinander und ganz in der Nähe der Straße. Das Zuschneiden dieses Bildes zeigt, wie wir das Haus erleben würden, wenn wir daran vorbeigingen oder vorbeifuhren.

Sehen Sie es, malen Sie es

Hopper malte seine Aquarelle normalerweise vor Ort. Für ihn war es sein wahres Thema, die Einzigartigkeit eines bestimmten Tages festzuhalten. Im Das Mansardendach Er spielte einzelne Merkmale des Gebäudes herunter, so dass das Wetter, die Jahreszeit, der Wind, das Licht und der Schatten, die Bewegung der Markisen und das Spiel mit warmem und kaltem Licht die Szene dominierten.

Beachten Sie die warmen Gelbtöne, die die sonnenbeschienene Seite des Gebäudes färben und sich mit den kühlen lila Schatten vermischen, die als Striche verspielter, sich bewegender Formen gemalt sind, die über die komplexen Oberflächen dieses Hauses tanzen.

Als Meister der Erhaltung des Weiß des Papiers begann Hopper seine Aquarelle oft mit einer leichten Bleistiftskizze, improvisierte jedoch immer, wenn er das Gemälde entwickelte. Trotzdem verlor er nie sein Ziel aus den Augen, nur die Elemente einzubeziehen, die er brauchte, um die Einzelheiten eines Augenblicks festzuhalten.


Schau das Video: Aquarell malen Anfänger - der beste Technik-Trick (August 2022).