Das Künstlerleben

Ein Gespräch mit Carolyn Latanision

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Der neunte in einer Artist Daily Exclusive-Reihe:

Meister des amerikanischen Aquarells

Wie sind Sie auf Aquarell aufmerksam geworden?

Ich habe mein ganzes Leben mit Aquarell gearbeitet und die Freiheit und Unerwartetheit anderen Medien vorgezogen, obwohl ich auch Öle, Acryl und Kasein verwende.

Wer waren die Aquarellkünstler, die dich am meisten inspiriert haben?
Es wäre leicht, Sargent zu nennen, aber es gibt viele, deren Arbeit ich aus verschiedenen Gründen mag. Die Technik allein scheint der Ausdruckskraft des einzelnen Künstlers untergeordnet zu sein.

Wie sind Sie auf architektonische und städtische Themen aufmerksam geworden?

Als ich in Bethlehem, Pennsylvania, aufgewachsen bin, nur wenige Blocks von den massiven Hochöfen von Bethlehem Steel entfernt, waren große dramatische Strukturen ein fester Bestandteil meines Lebens. Meine Großmutter lebte in Astoria, Queens, also gingen wir jedes Jahr eine Woche nach NYC, und diese Wolkenkratzer, Strukturen, die mit Bethlehems I-Strahlen gebaut wurden, fügten dem visuellen Eindruck in meinem Bewusstsein des Lichts, der Winkel und der Ebenen der Architektur eine weitere Dimension hinzu . Ich wusste nicht, dass ich mich visuell für Architektur interessierte, bis ich in die Gegend von Boston zog und Beacon Hill entdeckte. Ich habe mir selbst beigebracht, Architektur zu malen - zuerst mit den Türen von Beacon Hill, dann ganze Gebäude und dann Straßen von Gebäuden.

Ihre Bethlehem Steel-Serie ist umfangreich. Wie sind Sie auf Bethlehem Steel aufmerksam geworden?
Wenn Sie einer Operation so nahe kommen, dass es kein Entkommen gibt und es keine Erklärung gibt, es sei denn, Sie haben sie gelebt. Es war immer präsent. Es ist nur ein Teil von dir. Eine Generation von Männern nach der anderen in meiner Familie hat ihr Leben verloren, wenn sie in der Fabrik und nicht in einem Büro gearbeitet haben. Der Lärm der Gießereien hörte nie auf, ebenso wenig wie die Gerüche und der Schmutz. Das schwarze Korn würde auf deinen Füßen sein, wenn du deine Socken ausziehst; es schlich sich täglich ins Haus. Nach dem College dachte ich, ich könnte nicht schnell genug davonkommen. Als jedoch ein Artikel auf der Titelseite von Boston Globe 1995 seinen Abschluss ankündigte, fiel es mir emotional auf. Ich war mir plötzlich seiner historischen Bedeutung für mich, meine Familie und das Land sehr bewusst. Danach ging ich viermal durch die Anlage und malte einen Ort, der ruhig geworden war, aber seine frühere Macht widerspiegelte.

Sie haben gesagt, NYC - ein weiteres Lieblingsfach - hat eine Energie, die einzigartig ist. Können Sie das näher erläutern?

New York war für mich als Kind so groß und aufregend - genau wie für meine Enkelinnen heute - ich wollte alles sehen. Dieselben Flugzeuge und Winkel, die ich jeden Tag in Bethlehem sah, wurden in New Yorks Wolkenkratzern wiedergeboren. Und so viele Leute zu sehen! Immer wenn ich über die Brücken über den Lehigh River ging, entlang derer das 4,5 Meilen lange Bethlehem Steel-Werk gebaut wurde, konnte ich ein Panorama seiner mächtigen Aktivität sehen. Die Waggons, Schweißer und heißen Kohlen aus den Kokereien von Bethlehem fanden eine Parallele im Ansturm von Menschen, U-Bahnen, Rauch und hoch aufragenden Gebäuden in New York.

Ich verstehe, dass Sie normalerweise mit Fotos arbeiten. Welchen Rat können Sie in Bezug auf Fotos und Referenzen geben?

Wenn ich meine detaillierteren Arbeiten mache, arbeite ich eher mit Fotos als mit Skizzen vor Ort. Ich komponiere immer durch die Linse und denke darüber nach, wie es als Gemälde komponiert werden soll, wenn ich es malen möchte. Bei der digitalen Fotografie bin ich bei weitem nicht so vorsichtig wie beim Film, aber ich kann mehrere Aufnahmen und zusätzliche Detailaufnahmen machen. Es ist so, als würde man Thumbnails machen. Dadurch kann ich auch viele Aufnahmen von Personen in einem bestimmten Bereich machen und später auswählen und neu anordnen. Und ich habe gelernt zu bearbeiten, zu bearbeiten, zu bearbeiten.

Arbeiten Sie normalerweise mit mehreren Fotos?
Ich drucke oft eine Reihe von Fotos aus, bevor ich mit dem Zeichnen beginne.

Machen Sie normalerweise vor dem Malen eine detaillierte Zeichnung?

Normalerweise mache ich keine detaillierte Zeichnung, da ich mir vorstellen kann, wohin ich gehe. Zunächst und am wichtigsten ist es, die Komposition als abstraktes Ganzes zu betrachten - die Formen und Werte. Nachdem ich mein Papier gerastert habe, zeichne ich in den kritischsten Bereichen und beginne dann mit dem Malen. Ich bin sehr ungeduldig, mit dem Malen zu beginnen.

Machst du noch andere Vorarbeiten?

Egal, ob ich aus dem Leben oder aus Fotos arbeite, ich erstelle meine Palette für jedes Bild im Voraus. Ich liebe Farbe und verwende viele, aber ich reduziere zuerst meine Palette für ein Gemälde, indem ich mit Waschungen und Glasuren experimentiere: Welche Farbe geht zuerst über eine trockene Farbe oder sollte es umgekehrt sein; Welche Farben sollten nass in nass gemischt werden und so weiter? In vielen Bereichen neige ich dazu, weniger zu mischen und mehr zu schichten - aber diese Entscheidung fällt erst nach Experimenten.

Ich verstehe, dass Sie mit einer Verglasungsmethode arbeiten und die Farbe und die Details aufbauen. Ist das korrekt?

Normalerweise versuche ich beim Schichten / Glasieren, nicht mehr als zwei Farben zu verwenden, damit ich nicht "schlammig" werde. Wenn ich jedoch anstelle von Glasur mische, verwende ich manchmal drei Farben. Trotzdem verwende ich normalerweise nur sehr wenige pigmentierte Farben und daher ist die Wahrscheinlichkeit geringer, dass Mattheit auftritt. Manchmal lege ich eine Farbe auf und lasse sie trocknen, da ich weiß, dass ich einen Schwamm nehme und ihn vorsichtig wieder abwische, damit ein weicher Farbschleier in das Papier eingearbeitet wird, den ich wieder bearbeiten kann. Manchmal beginne ich mit einer Grundierungsglasur aus Acrylgouache auf einer großen Fläche, damit ich wieder darüber arbeiten kann, ohne mich darunter zu bewegen. Normalerweise muss ich dunkle Werte und helle Farben in einem detaillierten Gemälde erneut anwenden, sobald die ursprüngliche Anwendung vollständig trocken ist. Ein Beispiel für eine dunkle, aber helle Farbe ist ein dunkelroter Apfel. Nur eine Farbe macht es zu flach. Ich werde zuerst ein leuchtendes Rot für eine erste Anwendung verwenden. Wenn es trocken ist, überziehe ich es mit einer dunkelroten Waschung. Dadurch erreicht die Farbe eine schöne Tiefe.

Haben Sie einige Farben, auf die Sie sich immer wieder verlassen - und andere, die Sie vermeiden möchten?

Wie bereits erwähnt, verwende ich viel mehr Beizfarben als pigmentierte Farben. Ich verwende eine lange Metallpalette mit meinen am häufigsten verwendeten Farben, die mir am nächsten liegen, in der Reihenfolge „Regenbogen“. Die Farben, die ich am häufigsten verwende, haben sich im Laufe der Zeit geändert und tun dies auch weiterhin. Zum Beispiel habe ich einmal ziemlich viel Paynes Grau verwendet. Es wurde durch Neutral Tint ersetzt, um einige Farben zu neutralisieren. Ich benutze immer noch Ultramarine Blue, aber nicht, wenn ich Granulation vermeiden möchte. Andere Male benutze ich es speziell für diese Eigenschaft. Phthalocyaninblau ist ein Farbstoff und sollte sich technisch nicht viel bewegen, aber es tut es! Ich vermeide es für den Himmel, da es fleckig werden kann.

Welches Papier bevorzugen Sie - Marke, Kaltpressung, Heißpresse usw.?

Ich verwende meistens 300 Pfund Saunders Waterford Cold Press-Papier oder Twin Rocker, ein handgeschöpftes Papier mit nur einem Gewicht. Ich mag raues Papier, insbesondere Arches, aber ich verwende es nicht für meine detaillierteren Arbeiten. Ich mag es jedoch für Naturfächer im Freien.

Bereiten Sie Ihr Papier auf irgendeine Weise vor - benetzen, dehnen usw.?

Ich habe alle möglichen Arten der Vorbereitung meines Papiers ausprobiert, aber schließlich festgestellt, dass ich so viel mehr Bewegungsfreiheit hatte, um es einfach locker auf meinem Zeichenbrett sitzen zu lassen. Normalerweise gibt es nicht genug Knicken, um mich zu behindern. Wenn ich muss, drehe ich es mit der Vorderseite nach unten, befeuchte den Rücken mit einem Schwamm und beschwere ihn für eine Weile mit meinem Zeichenbrett und zusätzlichen Gewichten. Es kehrt völlig flach zu mir zurück und ich gehe weiter. Wenn ich das Papier locker lasse, kann ich es während der Arbeit leicht drehen, manchmal sogar auf den Kopf stellen, ohne das gesamte Brett bewegen zu müssen, auf dem es liegt. So unkonventionell es auch scheinen mag, ich habe bemerkt, dass die meisten Leute in meinen Klassen das jetzt auch tun, obwohl ich sie nie darum gebeten habe.

Sie unterrichten seit einiger Zeit. Haben Sie dies als Hilfe in Ihrer eigenen Arbeit empfunden?
Ja und nein. Ich mag es sehr alleine zu sein, also ist es eine wirklich schöne Pause von mir, mit meinem Unterricht zusammen zu sein! Ich mag ihre Begeisterung und manchmal drängt mich ihre eigene Arbeitsmoral aus meinem faulen Raum. Auf andere Weise, weil ich alles aufschlüsseln muss, um ihre Fragen zu beantworten, hält es mich ein wenig zurück. Ich mag die Spontanität des Aquarells (ja, auch bei detaillierten Arbeiten), aber manchmal beginne ich zu technisch zu denken, weil mein Geist immer noch im Frage- und Antwortmodus gefangen ist.

Was ist der beste Rat, den Sie einem aufstrebenden Aquarellkünstler geben können?

Ich habe gerade ein Zitat gelesen, das Katherine Johnson, der NASA-Mathematikerin, zugeschrieben wird, die eine Schlüsselrolle beim Senden von Apollo 11 zum Mond und zurück gespielt hat. Sie sagte: "In Mathe hast du entweder Recht oder Unrecht." Es ist mir aufgefallen, weil es in der Kunst KEIN Richtig oder Falsch gibt. Malen Sie einfach weiter und versuchen Sie nicht, die Arbeit eines anderen Malers zu emulieren. Schließlich wird Ihre Arbeit wie Ihre Arbeit aussehen und Sie werden auf dem Weg viele Dinge gelernt haben, um Ihre Arbeit einzigartig zu machen. Die Technik wird natürlich anfangen zu passen. Wie ich meinen Schülern erzähle, ist Aquarell viel negatives Lernen. Denken Sie daran, Spaß dabei zu haben. Es ist nur Papier.

Carolyn Latanision Ist gebürtig aus Bethlehem, Pennsylvania und lebt und arbeitet heute in Massachusetts. Sie arbeitet hauptsächlich in Wassermedien und erkundet deren einzigartige Herausforderungen und Möglichkeiten. Carolyn ist Mitglied der National Watercolor Society, der New England Watercolor Society, der Pennsylvania Watercolor Society, des Catharine Lorillard Wolfe Art Clubs in New York, der Hudson Valley Art Association, der Philadelphia Water Colour Society, der Rocky Mountain Water Media und der Whisky Painters of America. In der Region Boston ist sie designierte Copley-Meisterin in der Copley Society of Art. Ihre Bilder befinden sich in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen. Weitere Informationen finden Sie auf Carolyns Website.


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