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Ein Maler-Hattrick für PerspectivePlus One

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Malen mit Perspektive | Techniken zur Akzentuierung der Tiefe

Es ist immer gut, einen Guru zu kennen. In meinem Leben habe ich einen Guru für Musik (mein Freund Farrah, der mich über die neuesten Musik auf dem Laufenden hält), einen Guru für House-Sachen (den Vater) und sogar einen Guru für mexikanisches Essen (Gurus können sehr Nischen sein ). Richard McKinley und Johannes Vloothuis sind definitiv zwei Gurus für uns Künstler. Hier qualifiziert sich McKinley für den Status, indem er uns vier Möglichkeiten zeigt, die Perspektive zu nutzen, um Tiefe und Atmosphäre in einem Gemälde zu erreichen.

Im Malen entlang // Tiefe mit Atmosphäre erzeugen, Vloothuis zeigt, dass sein Guru mit Techniken und Malmethoden bedeckt ist, die leicht zu erlernen und vor allem leicht zu replizieren sind. Genießen!

Courtney

***

Ich habe die Auswirkungen der linearen Perspektive und der Luftperspektive auf das Auftreten von Tiefe in einem Gemälde erörtert. Das Verständnis der Physik hinter den beiden kann einem Künstler die Möglichkeit geben, sie für kreative Zwecke zu manipulieren, ohne die Integrität der Szene zu beeinträchtigen.

# 1 Verkürzung

Die Proportionen der linearen Perspektive können leicht geändert werden, um die Tiefenbeziehungen von Objekten innerhalb einer Komposition durch Verwendung von Verkürzung zu übertreiben oder zu verringern. Die Abmessungen eines Objekts entlang Unsere Sichtlinie wird kleiner, wenn sie zurückgeht. während die Abmessungen eines Objekts bei der Betrachtung über Unsere Sichtlinie bleibt relativ gleich.

Durch Erweitern oder Zusammenziehen der zugehörigen Höhe und Breite von Objekten (z. B. Verbreitern des nächstgelegenen Abschnitts einer Straße, eines Pfades oder eines Bachbettes oder Anheben des nächstgelegenen Pfostens einer Zaunlinie) können wir den Eindruck erwecken, dass diese Elemente näher beieinander liegen und das Erscheinungsbild übertreiben der Tiefe. Ein Beispiel für eine figurative Arbeit wäre, die Faust eines Boxers, der dem Betrachter einen Schlag versetzt, größer zu machen, als es in der Realität erscheint. Dies erweckt den Eindruck, dass die Faust nur wenige Zentimeter vom Kontakt mit dem Gesicht des Betrachters entfernt ist, und verstärkt den dramatischen Effekt. (Beispiele hierfür finden Sie in klassischen Buch- und Zeitschriftenillustrationen.)

# 2 Übertreibende atmosphärische Perspektive

Die Verstärkung des Erscheinungsbilds der Luftperspektive (atmosphärische Perspektive) ist ein weiteres Mittel, um das Erscheinungsbild der Tiefe innerhalb eines Gemäldes hervorzuheben. Die visuellen Effekte auf Objekte, wenn sie in die Ferne rücken, bestehen darin, dass sie einen helleren Wertekontrast, eine kühlere Farbtemperatur, eine schwächere Farbsättigung und eine weniger scharfe Definition aufweisen. Durch subtile Manipulation dieser Aspekte kann ein Künstler das Raumgefühl innerhalb eines Gemäldes stark betonen.

# 3 Ihre Pastellpalette

Wenn es darum geht, die Aspekte der Luftperspektive zu orchestrieren, müssen sich Pastellisten auf ihre Palette verlassen, um die Farb- und Sättigungsverschiebungen zu erleichtern, die auftreten, wenn Objekte zurücktreten. Dies ist einer der Gründe, warum jede Pastellpalette unabhängig vom Thema das gesamte Spektrum des Farbkreises darstellen muss. Während der Nassmaler leicht vier oder fünf Röhrenpigmente miteinander mischen kann, um ein vollständiges Farbspektrum darzustellen, muss die Pastelliste entweder sorgfältig geschichtet sein oder einen Pastellstift haben, der die Aufgabe erfüllen kann.

Dies bedeutet nicht, dass Ihre Pastellpalette mit Hunderten von Sticks gefüllt sein muss, aber es sollten genügend Sticks vorhanden sein, um die Grundfarbfamilien in Helligkeits- und Dunkelgraden darzustellen. Ein paar grauere (neutrale) Töne sind auch nützlich, wenn Sie versuchen, die Entsättigung der Farbe in der Ferne anzuzeigen.

# 4 Ihre Plein Air Pastell Palette

Eine Möglichkeit, genug Pastellfarben beizubehalten, um die tonalen Effekte der Luftperspektive zu manipulieren, aber innerhalb einer kleineren Palette für Freilichtmalerei, besteht darin, härtere Pastellfarben zu verwenden, die sanft über buntere / intensivere Pastellpassagen geschichtet werden können . Diese härteren Pastellstifte sind atmosphärische Töne von weichem Blau und Violett in helleren Werten. Mit sehr wenig Druck können sie leicht über Passagen geharkt werden, um einen atmosphärischen Effekt darzustellen. Die drei Marken härterer Pastellfarben, die ich am häufigsten verwende, sind Rembrandt, Cretacolor und Caran d’Ache.

Maler sind, wie ich gerne sagen möchte, wie Zauberer. Wie jeder Künstler können wir manchmal ein bisschen theatralisch sein. Die künstlerische Perspektive ist ein Aspekt, der gut zu dramatisieren ist.


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