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Stillleben-Künstlerin Harriet Shorr: Es ist alles ein Setup

Stillleben-Künstlerin Harriet Shorr: Es ist alles ein Setup


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Dieser Artikel über die Stilllebenkünstlerin Harriet Shorr, geschrieben von Rick Stull, erschien ursprünglich in der Januar / Februar 2011 Ausgabe von Zeitschrift.

Die Stilllebenkünstlerin Harriet Shorr hat eloquent über ihre Bilder geschrieben und gesprochen und sich mit den knorrigen Fragen von Form, Inhalt und Bedeutung befasst - Fragen, die oft so viele Fragen aufwerfen, wie während solcher Diskussionen beleuchtet werden. Solche Diskussionen zerstreuen auch nicht das Geheimnis der Arbeit eines Künstlers. Die Fähigkeit eines Kunstwerks, sich nach einer solchen Prüfung zu erholen und endloses Vergnügen zu bereiten, muss sicherlich eine seiner bedeutenden und geschätzten Eigenschaften sein. Gleiches gilt für Diskussionen über die praktischeren Fragen des Verfahrens und der Technik. Wenn alles gesagt und getan ist, wenn ein Gemälde analysiert und gewissermaßen dekonstruiert wurde, sollte seine Fähigkeit zur Freude bestehen bleiben. Dies ist bei Shorrs Kunst der Fall.

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Stillleben Objekte ohne Ziel

In meinem letzten Gespräch mit Harriet Shorr haben wir uns an die praktischen Fragen gehalten - wie sie ihre Stilllebenbilder tatsächlich vorbereitet und macht. Wir schwatzten über Leinwand, Pinsel, Krankentragen, Farbmarken und Gesso. Und natürlich sprachen wir über die seltsamen und unterschiedlichen Objekte, die ihre Bilder bewohnen.

"Die Objekte, die ich ursprünglich für ein Gemälde auswähle, stimmen möglicherweise nicht unbedingt mit dem überein, was ich gerade denke und fühle", sagt Shorr. Tatsächlich versucht sie bewusst, nicht nach Objekten zu suchen, die eine bestimmte Agenda haben. Sie stellt auch nicht in Frage, warum sie zusammen „klicken“. „Ich finde viele Gegenstände auf Flohmärkten und beim Gehen durch die Straßen von New York“, sagt Shorr.

Wenn sie das Gefühl hat, all ihre „Sachen“ gesammelt zu haben, arrangiert sie die Gegenstände (ein Begriff, den Shorr lieber „komponiert“) auf einem Tisch in ihrem Studio (das sich fast das ganze Jahr über in ihrem SoHo-Loft in Manhattan und auf dem Land in Vermont befindet) während des Sommers). Dieser Akt des Anordnens von Stillleben-Objekten ist, obwohl er im Grunde genommen intuitiv ist, etwas, was Shorr mit einem gewissen Maß an Selbstbewusstsein tut. Shorr erklärt, dass sie beim Anordnen von Objekten auf ihrem Tisch normalerweise versucht, die Abstände zwischen ihnen zu variieren. "Aber meine Idee war immer, dass, wenn die Farbe wirklich funktioniert, alle kompositorischen Beziehungen überzeugend gemacht werden können."

In diesem ungezwungenen und dennoch aufmerksamen Modus wählt Shorr eine Leinwand, Größe und Ausrichtung, die von ihrer Anordnung der Objekte abhängt. Sie verwendet gestreckte Leinwände, die normalerweise mit einer einzigen Schicht Glanzmedium bedeckt sind, gefolgt von zwei Schichten Gesso. Sie bevorzugt Leinwand gegenüber Leinen, weil „Leinen teuer und schwerer perfekt zu dehnen ist“.

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Direkt zur Farbe

Man könnte denken, dass ein gewisses Maß an Zeichnen oder Skizzieren der nächste Schritt wäre, aber das ist nicht so. Shorr zeichnet nicht vorläufig für ihre Stillleben: "Viele Leute denken", sagt sie, "dass es eine notwendige Verbindung zwischen Zeichnen und Malen gibt, das heißt, man muss etwas verstehen, indem man es zeichnet, bevor man es malen kann." Ich glaube das nicht. "

Das ist natürlich nicht die ganze Geschichte. Mit Borstenpinseln für die größeren Farbbereiche und langhaarigen Zobelpinseln für die präzisere Modellierung erstellt sie beim Malen die verschiedenen Formen, ihre Schatten und die Zwischenräume zwischen den Formen, wobei die Fließfähigkeit des Gemäldes erhalten bleibt. Shorr entwickelte diese Fluidität und die Praxis des Malens von nass in nass, nachdem er in den 1960er Jahren bei Alex Katz an der Yale School of Art and Architecture studiert hatte.

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Praktische Extravaganz

Beim Thema Farbe wächst Harriet Shorr Adamantin. "Sie müssen mit Ihren Materialien extravagant sein." Und sie ist. Mit Old Holland-Ölen mischt sie ihre Farben speziell für ein Gemälde und behält keine Farbe von einem Stück für die Arbeit am nächsten.

"Ich leite meine Farben aus meinen Wahrnehmungen ab", sagt Shorr. Sie fügt hinzu: "Ich habe kein wirkliches Interesse an der Farbbalance. Ich male nur die Farbe, die ich sehe. Wenn es sich verschiebt, verschiebe ich mich mit. “ Sie verwendet für jede Farbe und für jede Abstufung innerhalb einer bestimmten Farbe einen anderen Pinsel.

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Angeführt von Licht und Sicht

Shorr beginnt normalerweise um 9 oder 10 Uhr morgens mit der Arbeit und hört normalerweise gegen 3 Uhr nachmittags auf. Dies ist sicherlich im Einklang mit einem Künstler, der sich so genau mit den Auswirkungen des Lichts befasst. Sie ist schließlich die Person, die, während sie beschrieb, wie sie ein Stillleben vollendete, einmal sagte: „Während ich an dem Gemälde arbeitete, würde ich warten, bis der Lichtstrahl an derselben Stelle fiel, um die bestimmten Passagen zu malen, die von beeinflusst wurden dieses Licht. Jeden Tag habe ich die gleichen Teile des Gemäldes zur gleichen Zeit gemalt. “

Sie malt, was sie sieht: Gegenstände, Stoff, Berge, die durch die Fenster ihres Studios in Vermont gesehen werden, Gebäudefassaden, die durch die Fenster ihres SoHo-Lofts gesehen werden. Dies mag für eine Künstlerin, die Barnett Newman zu ihren Haupteinflüssen zählt, seltsam erscheinen. Es wird jedoch weniger bizarr, wenn man die strukturelle Frontalität und das Flüstern der Farbfeldabstraktion in ihren Gemälden betrachtet.

Was man bemerkt, wenn man ein Shorr-Stillleben wie z Gebrauchsgegenstände für mich (oben) - abgesehen von den oben erwähnten abstrakten Merkmalen - ist die Sorgfalt und Aufmerksamkeit, die sie widmet, um sicherzustellen, dass jeder Quadratzentimeter der Leinwand die gleiche Bedeutung hat. Kein bestimmtes Objekt oder Teil eines Stoffes oder einer Landschaft zieht das Auge an. Der Betrachter blickt fest auf das Ganze, wie man es tun könnte, wenn man in einen sonnenbeschienenen Waldabschnitt oder über ein Stück Wüste starrt. Oder das Auge kann über die Oberfläche wandern und sich über das Nebeneinander von satten Farben, die formgebende Beleuchtung des Lichts, die unterschiedlichen Farbtöne und die dunklen Schatten von Shorrs Welten freuen. Es ist eine hohe Form des Vergnügens, die die Bedeutung des Titels des Gemäldes vom Nützlichen zum Erhabenen segelt.

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Bemerkungen:

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